Konzertbericht: Marianne Dissard, ZONE Wörgl, 7. Oktober 2016

Weit über fünf Jahre (mein Gott!) sind seit dem letzten Tirol-Besuch von Madame Marianne Dissard ins Land gezogen. Damals durfte ich für ein mittlerweile längst beerdigtes Unterländer Lokalmedium vom großartigen Auftritt der französisch-amerikanischen Sängerin berichten. Ein Auftritt, der seinerzeit im – Achtung Selbstzitat aus dem Jahr 2011 – „dafür atmosphärisch und akustisch wie geschaffenen“ Wörgler Astnersaal in Szene ging.

Dieser charaktervolle Ballsaal in der „Alten Post“ mit seinen viel zu hohen Wänden, dem überdimensionalen Kronleuchter, den geheimnisvoll schimmernden Spiegeln, kurz: all der herrlichen Patina stand diesmal wegen einer anstehenden Theaterpremiere leider nicht zur Verfügung. Aber auch im etwas prosaischeren Ersatzquartier, dem sympathischen Jugendzentrum ZONE Wörgl, wurde es ein wunderbarer, intimer Abend.

Für Marianne Dissard und ihre aktuelle, formidable All-female-Band war es vermutlich das kleinste, am schwächsten besuchte Konzert der laufenden Europatournee, für die unermüdlichen Veranstalter vom Wörgler Kulturverein SPUR. finanziell bestimmt kein lohnender Abend. Aber für die circa zehn zahlenden Zuschauer war es ein umso schöneres Wohnzimmerkonzert.

„Cibola Gold“ heißt die aktuelle Compilation, die Marianne Dissard mit im Tourneegepäck hat. Sie versammelt dreizehn zentrale Lieder, nein, excusez-moi, Chansons aus fünf Alben der Jahre 2008 bis 2015. Cibola ist, wie Wikipedia zu vermelden weiß, eine der sagenhaften Sieben Städte aus Gold, die spanische Eroberer des 16. Jahrhunderts im heutigen Südwesten der USA vermuteten.

Marianne Dissard selbst hat ihre Goldene Stadt eindeutig in Tucson, Arizona, gefunden, wo sie gut zwei Jahrzehnte lang lebte – und wohin sie nun, nach einem längeren Parisaufenthalt, auch wieder zurückgekehrt ist. Die überschaubare, aber umso lebendigere Alternativ-Szene der 500.000-Einwohner-Stadt in der Wüste ist jenes fruchtbare Biotop, in dem Dissard aufblühte, an der Seite von wild wuchernden Gewächsen wie Giant Sand und Calexico, in Symbiose mit verschiedenen Musikergenerationen vom legendären Howe Gelb bis hin zu Gabriel Sullivan und Brian Lopez, die heuer mit ihrer Band „Xixa“ aufhorchen ließen.

In Tucson entwickelte Dissard ihren bis heute einzigartigen Sound, eine betörende Mischung aus melancholischen Chansons, hitzeflirrendem Wüsten-Folk und mitreißendem, bisweilen durchaus rauem und krachigem Alternative Rock. Auch in Wörgl verfehlten diese „Desert noir chansons“, von Dissard mit dunkler, sinnlich-mysteriöser Stimme vorgetragen, ihre Wirkung nicht. Immer wieder ertappte man sich beim Wunsch, endlich doch noch Französisch zu lernen, um in die geheimnisvollen Geschichten auch inhaltlich eintauchen zu können. Aber manchmal ist es ja fast noch schöner, wenig bis gar nichts zu verstehen.

Dissard erwies sich dabei nicht nur als charismatische und elektrisierende Bühnenkünstlerin, sondern zeigte auch viel Humor: Statt etwa das Publikum lange darum zu bitten, doch weiter nach vorne zu kommen, zog sie ihm einfach Tisch und Stuhl unter Bierbecher und Hintern weg – aber auf sehr charmante Weise. Auch wenn Frau Dissard Fläschchen zum Seifenblasenmachen austeilt, denkt man gar nicht daran, sich zu widersetzen. Und ein Italiener mit coolem Sonic-Youth-T-Shirt durfte und musste, mit gestrengem Blick dazu aufgefordert, sogar neben der Sängerin am Bühnenrand Platz nehmen: „It’s a love song. He’s Italian, so he won’t mind“.

Mit punkig geschnittenem Top, Plastik-Minirock, Gardinen- bzw. Teppich-artigen Hosen und jeder Menge Glitter auf der Brust setzte Dissard auch optische Akzente. Gegen Ende kam dann sogar ein glitzernder Motorradhelm zum Einsatz – vielleicht ja auch als Hommage an die Tiroler Surf-Rock-Institution Dave & The Pussies, die zu einem Drittel im Publikum vertreten war 😉 …

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Konzertbericht: Reverend Peyton’s Big Damn Band, Schloss Büchsenhausen, Innsbruck, 5. August 2016

Die (Konzert-)Abende, an denen man sich einfach überraschen lässt, sind oft die besten.
Wobei an diesem speziellen Abend schon die (kargen) Eckdaten klarmachten, dass da eigentlich nichts schiefgehen konnte: „Reverend Peyton’s Big Damn Band live und openair im Schloss Büchsenhausen“.

Das weckte die Neugier gleich in mehrfacher Hinsicht. Schließlich kannte man Schloss Büchsenhausen als eindrucksvollen Blickfang auf dem Weg zum Alpenzoo und vielleicht von der einen oder anderen Vernissage. Aber als Konzertlocation?

Auch von Reverend Peyton’s Big Damn Band hatte man noch nie gehört – aber aus Erfahrungswerten stand schon im Vorfeld fest: Ein Reverend im Bandnamen – oder als Beiname – ist ein Qualitätssiegel, garantiert im Regelfall Ekstase, Glut und Wahnsinn, vom Reverend Al Green über Reverend Horton Heat oder Reverend Beatman bis hin zur Reverend Shine Snake Oil Company.

Und wenn sich eine Formation samt Reverend dann auch noch „Big Damn Band“ nennt, obwohl sie nur aus drei Personen besteht, dann scheint endgültig klar: Das wird ein unterhaltsamer Abend! Und er wurde sogar noch viel unterhaltsamer als erwartet.

Reverend Peyton’s Big Damn Band stammt aus dem ländlichen Indiana, also vom platten Land – und das ist für ihre Art von Musik sicher nicht die schlechteste Voraussetzung: Denn die „Big Damn Band“ spielt urwüchsigen, rustikalen Country Blues, zum Glück aber alles andere als verstaubt-museal, sondern mit der Energie eines Dampfhammers, also rau, krachig und immer frontal in your face. Kurz: Musik, die von irgendwelchen tranigen, braven, „erwachsenen“ Blues(rock)abenden nicht weiter entfernt sein könnte.

Die Band, die in Innsbruck den vorletzten Stopp ihrer Europa-Tournee hinlegte (vor dem Finale im Chelsea zu Wien) besteht aus drei optisch wie musikalisch gleichermaßen grandiosen Figuren:

Frontmann Reverend Peyton, vom Herrn mit allen Eigenschaften eines unzähmbaren Bühnentiers gesegnet, präsentierte sich nicht im Talar, sondern standesgemäß als Hillbilly mit Hosenanzug, Waldzausel-Bart und mächtigen Oberarmen samt Maiskolben-Tattoo. Er präsentierte sich aber vor allem als Naturgewalt: mit mächtiger Bluesstimme, allerlei Hochgeschwindigkeitsgriffen, coyotengleich jaulenden Slide-Einlagen und erstaunlichen Fähigkeiten an der dreisaitigen Zigarrenschachtel-Gitarre (!).

Übrigens: Wenn man den uralten Stil des Country-Blues (dessen Wurzeln im frühen 20. Jahrhundert liegen) spiele „and you’re doin‘ it right“, dozierte der Reverend, dann ersetze der Daumen den Bassisten. Um es mit Bezug auf den Namen unseres kleinen Blogs zu formulieren: This man hits the bassline with his thumb. Und wie!

Sicher, der zwiespältige Begriff „virtuos“ kam einem da des Öfteren in den Sinn. Aber beim Reverend geriet die virtuose Technik nie zum eitlen Selbstzweck (eitel auch im Sinne der barocken Bedeutung des Wortes, also „vergeblich“ oder „sinnlos“). Er stellte sie stets in den Dienst des bissigen, wuchtigen, dabei stets schlanken und punktgenau getroffenen Gesamtsounds.

Aber am schönsten erklärte es der Mann selbst, in einer der mitreißendsten Nummern dieses mitreißenden Abends: Immer wieder werde er gefragt, wie zur Hölle er es bloß geschafft habe, so gut Gitarre zu spielen. Nun, ganz einfach: Auf der Veranda natürlich! Wo auch sonst?

„How did I get so good? / Well, let me explain / Got so good on the front porch / I’m front porch trained“.

Für Highlights am laufenden Band sorgte auch die Gattin des Reverends, Breezy Peyton, eine wahre Königin an einem viel zu selten gehörten Instrument – dem Waschbrett (!). Ausgestattet mit coolen Spezialhandschuhen, holte sie aus der mikrofonierten, standesgemäß mit der Aufschrift „Breezy“ versehenen Waschrumpel (samt Tragegurt!) die fetzigsten Reibe-und Ratter-Ryhthmen heraus, die sich denken lassen, oder setzte mit dem lässig geschüttelten Tambourin genau die richtigen Akzente.

Dazu sorgte sie mit ihrem Harmoniegesang für Extra-Drive bei den Refrains oder auch mal für dieses spezielle Country-Flair, wie man es beispielsweise aus „Jackson“ von Johnny Cash und June Carter kennt.

Mit geblümtem Kleid, roten Stiefeln und gestrengen Blicken auf die langzottigen Männer im Publikum – denen sie am Ende gar mit dem Tamburin Köpfe und Hintern versohlte – bot Breezy nebenbei auch noch eine höchst amüsante Bühnenshow. Und als sie das Waschbrett am Ende in Brand steckte (!) und hinter dem Kopf spielte (!!), muss auch Jimi Hendrix im Rockhimmel ein dickes „Gefällt mir!“ über die Lippen gekommen sein.

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Konzertbericht: Xixa und Tracker, PMK Innsbruck, 29. Juli 2016:

ACHTUNG, DIESER BEITRAG ENTHÄLT GROSSARTIGE KONZERTFOTOGRAFIE VON PATRICK NORDPOL UND MOE MOESSINGER. TAUSEND DANK DAFÜR!

Es war ein lauer Sommerabend. Und ein LAUTER Sommerabend (vor allem für unbelehrbare Ohrenschutzverweigerer wie mich). Der musikalische Desert Trip, zu dem die Reiseveranstalter vom Kulturverein lovegoat am Freitag in den Wüstenschuppen (wüsten Schuppen) PMK luden, war aber vor allem eines: schwer psychedelisch.

Dafür sorgte bereits zum Auftakt das formidable Trio TRACKER aus Tirol. „Experimenteller, psychotischer Desert Rock, schön unsauber und kantig gespielt“, schrieb ich im Mai 2014 in einem Beitrag für das mittlerweile längst verblichene Popkultur-Fachmagazin „Wörgler & Kufsteiner Rundschau“, nachdem ich „Tracker“ bei einem schrägen Konzertabend mit den „Sahara Surfers“ (ebenfalls aus Tirol) und den verpeilten „Death Hawks“ aus Finnland in der Kulturfabrik Kufstein erlebt hatte.

Und dieses Urteil trifft es nach wie vor gar nicht so schlecht. Wobei mir diesmal eher Begriffe wie Experimentalrock, Noise Rock oder eben Psych(edelic) Rock durch den Kopf geschwirrt sind, nicht unbedingt das doch eher beengende Label Desert Rock.

Immer wieder musste ich auch an die experimentierfreudigeren Spielarten des Alternative Rock der 90er (und späten 80er Jahre) denken: Bei „Tracker“ gibt es zum Beispiel groß angelegte Refrains, die allerdings unter metertiefen Lärmschlieren begraben werden, wie man das von „My Bloody Valentine“ und anderen Shoegazern kennt. Oder auch von LoFi-Pionieren wie „Sebadoh“. Bei den kantigen, leiernden, synthetischen Gitarrensounds wiederum schauen „Sonic Youth“ um die Ecke. Und auch gelegentliche elektronische Störgeräusche tragen dazu bei, dass das Gesamtergebnis bei „Tracker“ nie zu sauber und gediegen klingt.

Kurz gesagt: Ein Sound, wie man ihn heutzutage nicht mehr allzu oft hört – erst recht nicht aus lokalem Anbau. Und auch wenn nicht jedes Experiment aufgehen mag, nicht jede Abzweigung zum Ziel führt – spannend und herausfordernd zu hören ist es immer. Schön, dass es raue, harte Klänge aus Tirol gibt, die weder stumpf noch schwerfällig klingen. Mein vorgezogener Wunsch ans Rock-Christkind lautet daher: Bitte bring uns in den nächsten Jahren mehr frisch und wagemutig klingende Tiroler Bands wie „Tracker“ – und lass dafür ein paar nicht ganz so interessante Thrash- und Death-Metal-Formationen zu Hause. Danke!

Meine Einschätzung, dass „Tracker“ als Support für die Hauptband vielleicht nicht ganz passend gewählt waren – zu brachial, zu rau, die falsche Art von „Wüstenrock“ – erwies sich in der Folge als weitgehend unbegründet. Denn XIXA aus Tucson, Arizona, die schön spät (erst gegen 23.30 Uhr) die Bühne übernahmen, erwiesen sich insgesamt als deutlich härter, dunkler und lauter als erwartet. Mit anderen Worten: Im Soundcocktail, den die Band selbst als „Psych Cumbia Rock“ bezeichnet, war der Psychedelic-Rock-Anteil um einige Zentiliter größer als die Zutaten aus der lateinamerikanischen Tanzmusik.

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Konzertbericht: The Tiger Lillies, PMK Innsbruck, 13. April 2016:

Cabaret (bitte mit C!), Circus (bitte mit zwei C!) und Kuriositätenkabinett: Das sind, ganz grob gesagt, die Pole, zwischen denen die Tiger Lillies aus England wuchern und gedeihen – obwohl oder gerade weil es sich dabei bekanntermaßen um Orte handelt, an denen eher selten die Sonne scheint.

Kurz gesagt: Die Tiger Lillies mögen es dunkel. Insofern war es also durchaus passend, dass sie ihr jüngstes Innsbruck-Gastspiel nicht ins manches Mal allzu gediegene Treibhaus, sondern in die angemessen räudige PMK führte.

Die Bezugspunkte des Trios sind klar abgesteckt: Sie lieben das Theatralische (nicht umsonst haben sie beispielsweise Büchners Woyzeck vertont), sie lieben die schäbige Songkunst von Brecht/Weill und generell die dekadenten Zwanzigerjahre, hier natürlich vor allem das morbide Flair der Weimarer Republik – eine (mythisch aufgeladene) Ära, für die sich von Tom Waits über die Dresden Dolls bis hin zu Marilyn Manson bekanntlich viele Künstler aus dem angloamerikanischen Raum begeistern.

Varieté und Vaudeville, Schwarze Romantik und Schwarze Pädagogik (man denke nur an die vielbeachtete Struwwelpeter-Bearbeitung der Tiger Lillies) oder die herrlich makabren, grotesken Zeichnungen des US-Illustrators Edward Gorey (meist angesiedelt im Viktorianischen/Edwardianischen Zeitalter) schwirren ebenso durchs Referenzuniversum von Frontmann Martyn Jacques, dem Kopf und einzig verbliebenen Gründungsmitglied der Lillies.

Serviert wird das alles zum Glück nicht allzu historisierend und brav, sondern mit anarchischer Punk-Attitüde – was gut zusammenpasst, schließlich haben sich Teile der Punkszene von Anfang an für Außenseiter und Freaks, für das Abseitige, Schmutzige und Monströse interessiert. (Nicht umsonst wurzelt ja auch die Gothic-Bewegung ursprünglich im Punk – was heute gerne übersehen wird). Die entsprechenden optischen Zutaten bei den Tiger Lillies sind grelle weiße Schminke, dunkle Augenringe und schön schiache Hüte. Fein abgeschmeckt wird das Ganze mit schwarzem britischem Humor.

Das Ergebnis ist eine sehr, sehr künstliche, irgendwie sehr, sehr europäische Musik (wenn es so etwas gibt), die mit ihrem Konzept(album)-Charakter ebenso sehr in der „Hochkultur“ – deppertes Wort, ich weiß – wie in der (alternativen) Popkultur zuhause ist, also ebenso sehr auf Ö1 wie auf FM4. Dass die Tiger Lillies gerade in Österreich sehr gut ankommen (und auch auf ihren Touren immer wieder dort ankommen), verwundert dabei nicht. Schließlich neigt ja auch der Österreicher an sich gerne zur Theatralik und zum Morbiden.

Inhaltlich umkreisen die Songs der Tiger Lillies bevorzugt die Abgründe des menschlichen Daseins: Sie spielen in üblen Kaschemmen und dunklen Kanälen (das Stichwort „gutter“ taucht gleich in einer Reihe von Songs auf), werden von Säufern und Freaks, Mördern und Mutterhassern, Prostituierten und Perversen bevölkert, drehen sich um Blasphemie und billigen Alkohol (also „sin“ und „gin“), um „midgets with full body hair“ und Sodomie („Vagina In The Sky“ handelt etwa, so weit ich das verstanden habe, von der unglücklichen Beziehung des Ich-Erzählers zu einer Giraffe). Tod und Teufel sind dabei natürlich Stammgäste – schon das erste Lied des Abends verkündete: „My Baby’s Dead“.

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Konzertbericht: THE OSCILLATION (UK) & HARTAL! (ITA), PMK Innsbruck, 26. März 2016

Aaaah, endlich wieder Livemusik! Ein Gefühl, das ich wirklich vermisst habe. Denn kaum zu glauben, aber wahr: Für mich war der Doppelschlag am Samstag in der PMK der erste Konzertabend des Jahres – dafür aber gleich ein sehr bemerkenswerter.

Hauptverantwortlich dafür war die junge Formation Hartal! (nur echt mit Ausrufezeichen!) aus Italien (Verona, Vicenza, Forlì), die sich als echte Entdeckung entpuppte:

Auf den Plakaten wurde die Band mit dem – für mich sehr vielversprechenden – Label „Post Punk“ beworben, was sich in der Realität zwar als irreführend, aber dennoch keineswegs als enttäuschend erwies. „Post Punk“ war bei Hartal! aus meiner (akustischen) Sicht jedenfalls maximal in Spurenelementen wahrzunehmen – in der düsteren Grundstimmung, in der experimentellen Ausrichtung, vielleicht auch in einigen punkig-noisigen Ausbrüchen, die im höheren Tempobereich angesiedelt waren. Ansonsten schwebte an diesem Abend aber vor allem ein schillerndes Wort durch den (Klang-)Raum: Psychedelik.

Der werte Schreibclub-Kollege Klippo Kraftwerk nannte das Soundgebräu „psychedelischen Stoner Rock“ – und damit lag er sicher nicht ganz falsch. Ich selbst fühlte mich angesichts der hypnotisierenden, repetitiven, sich langsam steigernden Strukturen dagegen immer wieder an elektronische Musik erinnert (auch wegen der zwei zentral platzierten, face-to-face aufgestellten Keys/Synthies, an denen sich die beiden Frontmänner zu schaffen machten).

Beeindruckend, ja phasenweise überwältigend war, abseits von allen Genrebegriffen, jedenfalls der sehr dicht gewobene, intensive Gesamtsound: psychedelische Lärmschlieren, filigrane bis brachiale Gitarrenklänge, treibende Bassläufe, wuchtige Rockdrums und hin und wieder kehliger „Gesang“, der sich gaaaanz tief im Mix, in der Wall of Sound versteckte – wie ein zusätzliches Instrument, das Klangfarben hinzufügte, statt sich in den Vordergrund zu drängen.

Eine weitere Besonderheit waren Trommel und Becken, die gleich neben den Synthies postiert waren. Auf sie wurde von beiden Sängern (die auch Schellenkranz und Maracas schüttelten) mit besonderer Inbrunst eingedroschen – was dem Gesamterlebnis nicht nur weitere Sounddetails hinzufügte, sondern auch eine erhebliche optische Dynamik brachte.

Überhaupt, diese Dynamik! Stellenweise hatte man den Eindruck, dass sich Hartal! selbst in kollektive Trance spielten – wobei der Funke dank der grandiosen Spannungsbögen (oft mit kathartischem Höhepunkt) auch aufs Publikum übersprang.

Da wurde das Konzert (nicht zuletzt auch wegen der schieren Länge der Songs, nein eher: Tracks) dann richtiggehend rauschhaft, rituell, schamanistisch. Dieses letzte Wort habe ich im direkten Gespräch mit der Band nach dem Konzert übrigens gleich mehrfach angebracht – und damit offenbar ganz gut getroffen, welche Wirkung ihnen tatsächlich vorschwebt. Ok, vielleicht waren sie auch nur so nett zu mir, weil ich ihnen ein T-Shirt abgekauft habe …

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Konzertbericht: Die Buben im Pelz, PMK Innsbruck, 5. Dezember 2015:

Allein für den Mut (man könnte auch sagen: die Frechheit) gebührt ihnen größter Respekt: Die Buben im Pelz – im Kern bestehend aus den beiden im FM4-Universum kreisenden Musikern und Journalisten Christian Fuchs und David Pfister – haben sich mit The Velvet Underground & Nico aus dem Jahr 1967 eines der einflussreichsten und aufregendsten Debütalben der Musikgeschichte vorgeknöpft, ein düsteres Wunderwerk des Underground (!), das von Punk über Gothic bis Noiserock so ziemlich alle wüsten Subkulturen vorweggenommen und Tabuthemen wie harte Drogen oder Sadomasochismus dauerhaft in der Popkultur verankert hat. Und das mitten im Summer of Love.

Diesen gewaltigen Brocken also haben sich die Buben im Pelz aufgeladen und von den schäbigsten Seitenstraßen New Yorks all the way nach Wien geschleppt, wo die Velvets mit ihrer zwischen Euphorie, Melancholie und Todessehnsucht oszillierenden Musik grundsätzlich bestens aufgehoben sind. Und diesen Transfer haben Pfister/Fuchs noch dazu verdammt gut hingekriegt.

Die wohl berühmteste Ich-wart-auf-den-Dealer-und-er-kommt-nicht-Hymne aller Zeiten, I’m waiting for the man, haben sie etwa von der Lexington Avenue zum Schwedenplatz verlegt. Der schwarz gekleidete Pusher mit spitzem Schuhwerk und Strohhut trägt in Wien „Nike-Bock in Weiß“ und „Adidas-Gwandl“. Oder: Die vom magischen Eisengel Nico Päffgen gegebene Femme Fatale wird bei den Buben zur „feschn Funsn“. Kurz gesagt: eindrucksvolle, stimmige Nachdichtungen, die – wie schon beim (ideologisch und personell) verwandten Projekt Neigungsgruppe Sex, Gewalt & gute Laune – auch musikalisch überzeugen. Alles in allem eine herrliche Heiligenschändung, respektvoll und respektlos zugleich, trashig und doch elegant.

Die „Welt“ hat das Album Die Buben im Pelz & Freundinnen (das statt der berühmten, abziehbaren Warhol-Banane eine ebenfalls abziehbare Wurst am Plattencover zeigt) bereits im Juni zu einem der Alben des Jahres erhoben. Deutschland kriegt von österreichischer Musik derzeit ja generell nicht genug. Und auch in meinen bescheidenen Jahrescharts werden sich die Buben bestimmt wiederfinden.

Die Erwartungen ans Livekonzert waren also durchaus hoch – zumal die PMK mit ihrem kantigen CBGB-Charme im Grunde den perfekten Rahmen für einen wilden Velvet-versus-Wienerlied-Abend bietet.

Umso größer zunächst die Enttäuschung beim Eröffnungssong „Schwedenplatz“: Übersteuerter, breiiger, schlampig austarierter Sound, schlecht eingestellte Mikros (was sich auch im weiteren Verlauf des Abends nur bedingt bessern sollte), sehr laut und dennoch seltsam schwachbrüstig und blutleer. Das wunderschöne, leichtfüßige Sonntag Morgn zündete unter diesen Umständen überhaupt nicht, auch Femme Fatale und vor allem There She Goes Again wurden soundtechnisch trotz aller Hingabe komplett in den Sand gesetzt. Als Zuhörer stellte sich daher zunächst leider vor allem ein Wunsch ein: „Her mit am Bier“, wie es in der (später noch zu hörenden) Neigungsgruppen-Version der Babyshambles-Großtat Fuck Forever heißt.

Doch auch ohne Bier wurde es danach rasch viel besser: Tiaf wia a Spiagl (I’ll Be Your Mirror) gelang Fuchs und Pfister im sanften Zwiegesang einfach wunderbar und berührend.

Ein Höhepunkt auch die grandiose Version des abgrundtiefen, nachtschwarzen S/M-Dramas Venus In Furs (mit dem die Velvets übrigens schon damals eine Brücke von New York nach Österreich schlugen, Stichwort Leopold von Sacher-Masoch). Den stoischen, hypnotisierenden, fast schon maschinenhaften Todesrhythmus von Steh(!)Drummer Ralph Wakolbinger hätte wohl auch die legendäre Moe Tucker nicht besser hinbekommen.

Ansonsten gelangen – genau konträr zu meinen Erwartungen – gerade die lauten, krachigen Rock-/Protopunk-Nummern deutlich besser als die ruhigen, atmosphärischen Momente. Das galt allen voran für das treibende Renn Renn Renn (Run Run Run, eh kloa) oder David Pfisters wüste, rohe, überraschend weit vom Original entfernte Deutung von Lou Reeds offen drogenverherrlichender Weltnummer Heroin.

Bei den Zwischenmoderationen erwiesen sich Pfister und Fuchs als sympathische, gewitzte Rampensauen – egal ob sie „Bruchware von Manner“ (in Form von Schokonikoläusen) an die Zuschauer verteilten, sich augenzwinkernd mit „Reiß ma’s o, Buaschn!“ anfeuerten oder kleine Touranekdoten zum Besten gaben: So habe man ihnen bei einem Konzerttermin (wohl als Anspielung auf „Venus im Pelz“) im Backstage-Bereich eine Ausgabe von „50 Shades of Grey“ hinterlegt. Oder könnte das Buch von einer anderen österreichischen Band dort abgelegt worden sein – und wenn ja von welcher?, fragte Pfister ins Publikum. Die Antwort „Von Wanda!“ kommentierte er höchst schlagfertig: „Nein, bei Wanda liegt backstage höchstens ein Bilderbuch“.

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Konzertberichte: VALIENT THORR, PMK Innsbruck, 6. Oktober 2015; DAVE & THE PUSSIES, KulturZone Wörgl, 9. Oktober 2015

Ein gutes Rockkonzert (und leider gibt es sehr viele sehr schlechte Rockkonzerte) lebt von seiner Wucht, seiner Unmittelbarkeit, von der rauen Energie, der man sich einfach nicht entziehen kann. Die zurückliegende Woche bot dafür gleich zwei grandiose Beispiele.

Am Dienstag hielt der nackte Wahnsinn in Gestalt von Valient Thorr Einzug in der PMK Innsbruck. Dort war die wüste Formation aus North Carolina schon mehrfach zu sehen, unter anderem auch bei einem der beliebten PMK-Straßenfeste (ein Auftritt, von dem man sich Sagenhaftes erzählt). Ich selbst hatte die Band hingegen einmal in Kufstein erlebt, 2007 im Vorprogramm der Stoner-Rock-Veteranen Fu Manchu, die von Valient Thorr damals jedoch spielend an die Wand gespielt wurden.

Jenes Bild, das ich mit diesem Abend am stärksten verbinde, ist das eines zotteligen, vollbärtigen, schweißtriefenden Sängers mit entblößtem Oberkörper, der auf einmal am Boden vor der Bühne hockt, mitten im Publikum, das er ebenfalls zum Sitzen verdonnert. Von einem hippiesken Lagerfeuer-mit-Klampfe-Ambiente war die Band dabei allerdings meilenweit entfernt. Denn bei Valient Thorr geht es um die Urprinzipien des Rock ’n‘ Roll, die da heißen: Lautstärke und Geschwindigkeit, Schweiß und Dreck. Genau so, also erwartet großartig, war das auch beim PMK-Konzert.

Eröffnet wurde der Abend allerdings noch recht konventionell: Child aus dem australischen Melbourne servierten kompetent gespielten, psychedelischen, tief in Blues getränkten Hardrock, der allerdings etwas statisch und, wie der kritische Blogkollege Dave meinte, auch ein wenig zu basslastig daherkam. Apropos Bass: Der Bassist von Child trug bassenderweise und passenderweise ein T-Shirt mit dem Aufdruck „Sabbath Worship“, aus dem jedoch, wenn der Gitarrengurt verrutschte, immer wieder ein deutlich weniger passendes „Abba Worship“ wurde … Also genau die Art von Skurrilität, die mir im Gedächtnis bleibt 😉

Weiter ging’s, deutlich flotter und schon vor etwas mehr Zuschauern, mit einem zweiten jungen Hardrock-Trio, Black-Bone aus Eindhoven. Frontmann Steef überzeugte mit klassischen Powerriffs, manischem Angus-Young-Blick und dem Mut, sein schütteres Haar lang zu tragen. Übrigens nicht als letzter Frontmann an diesem Tag …

Der „real deal“ waren dann aber Valient Thorr, bei denen von „Rampensauen“ über „Bühnentiere“ bis hin zu „Naturgewalt“ kein animalisch-ökologischer Begriff zu hoch gegriffen ist. Schon nach dem ersten Song hatte Frontmann Valient Himself (ja genau, so nennt sich der, die anderen Bandmitglieder tragen die schönen Einheitsnamen Eidan Thorr, Storm Thorr, Sadat Thorr und Lucian Thorr) sein T-Shirt als unnötigen Luxus erkannt und stellte für das restliche Konzert seine schweißglänzende Rocker-Wampe in die Auslage.

Überhaupt, was für ein Frontmann! Die Energie tropft diesem wilden, haarigen Derwisch buchstäblich aus allen Poren, wenn er wie ein Geisteskranker über die Bühne fegt, sich auf ihr wälzt und ringelt und dazu kehligen Gesang und manische Zwischenmoderationen ausspuckt (zum Beispiel über außerirdische Bazillen auf Froschbeinen oder so ähnlich). Rock ’n‘ Roll, wie ihn Valient Thorr verstehen (und sie verstehen ihn richtig) ist so etwas wie ein archaisches Ritual: brutal laut, bizarr schnell, wild und ekstatisch.

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